La Primera Guerra Mundial en el Cine

La Reina de África (The African Queen)

2011-11-11T09:49:00.000-08:00

La Reina de África (1951)

La historia comienza en Uganda, en Agosto de 1914. Tras el estallido de la guerra en Europa, la misión metodista de Rose Sayer (Katherine Hepburn) queda destruida tras ser incendiada por tropas alemanas. Rose no tendrá otro remedio que escapar en compañía de Charlie Allnut (Humphrey Bogart), un hombre con tendencia al alcoholismo, patrón de la pequeña embarcación a vapor “African Queen”. Pese a que en principio Charlie solo piensa en ponerse a salvo, finalmente será convencido por Rose para llevar a cabo una arriesgada travesía río abajo, hasta desembocar en el lago Victoria, con el objetivo de hundir el poderoso vapor alemán Königin Luise, con el que las fuerzas germanas controlan toda la zona.

La Reina de África es uno de esos títulos clásicos que se han ganado a pulso un hueco en la historia dorada del cine, tanto por su calidad artística como por las múltiples incidencias de su accidentado rodaje, que tuvo lugar en tierras africanas, concretamente en el Congo Belga. La historia del mismo sería retratada, bastantes años después, por Clint Eastwood en Cazador Blanco, Corazón Negro. Como se muestra en esta película, el director John Huston aprovechó su estancia en África para dedicarse a una de sus pasiones: la caza mayor, y en especial, lograr abatir a una presa que ansiaba: un elefante blanco. Sin embargo, el resto del equipo de rodaje iba a vivir todo tipo de penalidades durante esas semanas. Las malas condiciones del agua disponible para beber hicieron que la mayor parte de los integrantes del equipo enfermara de disentería (excepto Bogart y el propio Huston gracias a su afición a las bebidas alcohólicas), amén de producirse varios incidentes con serpientes venenosas y fieras salvajes, e incluso el hundimiento de la embarcación usada para el rodaje. Al parecer Bogart se mostró muy a disgusto con las condiciones imperantes en África, mientras que Katherine Hepburn, por su parte, se sintió muy atraída por la belleza del continente negro y guardó toda su vida un muy grato recuerdo del rodaje.

En cualquier caso es indudable que las dificultades de la filmación valieron la pena, ya que Huston consiguió rodar uno de sus títulos más celebrados y recordados. Y ello se debe, en gran medida, al carisma interpretativo y a la buena química existente entre su dúo protagonista. Humphrey Bogart –estupendo una vez más en el papel de hombre aparentemente cínico, pero de gran corazón- en una interpretación que le valdría el único oscar de su carrera, recibe la réplica perfecta de Katherine Hepburn en el papel de estirada misionera que irá poco a poco, y a fuerza de vivir penalidades, sintiéndose gradualmente unida, física y espiritualmente, a su rudo compañero de viaje. En medio de todo ello, la película ofrece un intenso relato de aventuras, romance y acción, filmado con el pulso narrativo típico de Huston.

No obstante lo cual, hay que reconocer igualmente que La Reina de Africa tiene otros aspectos menos logrados, y que acusa en cierta medida el paso del tiempo. Principalmente hay que señalar el desarrollo un tanto artificioso –e incluso inverosímil- de la trama, de cómo el personaje de Charlie se deja embaucar para llevar a cabo lo que no es sino una misión suicida, así como unos efectos especiales, basados en el uso de transparencias y maquetas, que han quedado desfasados hoy dia.

Pese a estos aspectos, que le quitan algo de brillo al conjunto del film, hay que reconocer que La Reina de África es una de esas películas de aventuras que no pasan de moda. Sin ser una obra maestra, sí que se trata de uno de esos títulos que los angloparlantes definen como “must see”, una película de obligado visionado para todos los buenos aficionados al cine.

Calificación: 7/10

Los Ángeles del Infierno (Hell´s Angels)

2011-07-13T10:02:00.000-07:00

Los Angeles del infierno (1930)

Tras el estallido de la I GM, los hermanos Roy y Monte Rutledge deciden abandonar sus estudios en Oxford y alistarse en la RAF. Pronto quedarán patentes los caracteres antagónicos de ambos hermanos, ya mientras Roy da muestras de su valor y su rectitud moral, el mujeriego y carente de escrúpulos Monte no dudará en seducir a la novia de su hermano, Helga (Jean Harlow), pese a lo cual, Roy hará todo lo posible por proteger a su hermano cuando su escuadrilla recibe el encargo de llevar a cabo una peligrosa misión de bombardeo sobre un depósito de municiones alemán.

Los Angeles del infierno es una de las escasas producciones cinematográficas que puede considerarse un hito dentro de la historia del cine, pese a no ser una gran película en cuanto a calidad artística. Y ello se debe principalmente a que fue la primera gran superproducción de la historia, con un coste cercano a los 4 millones de dólares de la época, un presupuesto estratosferico que ninguna producción de los grandes estudios hollywoodienses había manejado con anterioridad y que obviamente era casi imposible recuperar en taquilla. Sin embargo el rodaje de Los Ángeles del Infierno salió adelante gracias al empeño personal de su productor, el excéntrico multimillonario y fanático de la aviación Howard Hughes, decidido a ofrecerle al gran público una película espectacular, que realmente transmitiera las emociones que experimentaba en vuelo un piloto de combate.

Para conseguir su propósito, Hughes no escatimó medios ni dinero. Para el rodaje, que comenzó en 1927, contrató a un total de 70 pilotos de exhibiciones aéreas y veteranos de guerra; se construyeron decorados a escala real que iban a ser destruidos durante la filmación, e incluso se fabricó una réplica de un Zeppelin alemán que también iba a ser destruido durante el rodaje. Además, pese a que en principio Angeles del Infierno comenzó su rodaje como una película muda, en 1928 comenzó a estar disponible la tecnología sonora, por lo que Hughes decidió desechar el material filmado sin sonido que no pudiera reutilizarse, y comenzar nuevamente el rodaje como una película sonora, despidiendo a la anterior protagonista, cuyo acento extranjero no era adecuado, y contratando a la joven starlet Jean Harlow para interpretar el papel de la libertina Helga.

Pero sobre todo, Huhges puso especial énfasis en filmar todas las escenas de combate aéreo con absoluto realismo colocando cámaras subjetivas en las cabinas de los aviones, y filmando la mayor parte de las tomas aéreas desde el cielo. El resultado fue realmente espectacular, y desde luego puede afirmarse que Hughes consiguió lo que pretendía, esto es, transmitir al espectador la emoción del combate aéreo, mediante algunas de las mejores secuencias de acción aérea jamás filmadas y que aun hoy, 8 décadas después de su rodaje, resultan visualmente impactantes. De este modo, a las ya consabidas tomas subjetivas desde la cabina de los pilotos, Hughes añadió escenas masivas de combate aéreo filmadas desde un plano cenital, realistas escenas de bombardeo, y algunas secuencias impactantes, especialmente la destrucción del zeppelín alemán, rodada, -como apuntaba antes- sin hacer uso de ningún tipo de efecto especial, pues realmente asistimos al derribo de la aeronave.

Sin embargo el resto del film no está a la misma altura que el brillante apartado bélico. Se nota que para Hughes la trama argumental era una mena excusa o telón de fondo que usar para poner en liza sus espectaculares escenas aéreas. De este modo los personajes principales resultan absolutamente tópicos, planos y predecibles, mientras que la protagonista femenina no pasa de encarnar el típico papel de mujer devorahombres y libertina, sin ningún otro matiz adicional que enriquezca el personaje. Además, como la película está rodada en plena transición del cine mudo al sonoro, se nota que las interpretaciones siguen destilando un evidente tono expresionista que resulta un tanto cómico visto hoy en dia. Claro que, de haber contado con una historia y unos personajes sólidos, Los Angeles del Infierno sería considerada hoy día un clásico intemporal.

En cualquier caso, es justo concluir que Los Ángeles del Infierno es una de esas películas que decididamente se adelantaron a su tiempo. Un título imprescindible para los amantes del cine bélico, y que indudablemente puede considerarse la mayor aportación del excéntrico Howard Hughes a la industria del cine, logrando crear una memorable película bélica, que se puede considerar el primer clásico dentro del género.

Calificación: 6,5/10

Ases del cielo (Aces High)

2011-05-11T12:06:00.000-07:00

Ases del cielo (1976)

La acción comienza a finales de 1916. El teniente Croft (Peter Firth) , un piloto novato recién salido de la academia de vuelo, es destinado a una escuadrilla que combate en el frente occidental, bajo el mando del Capitán Sinclair (Christopher Plummer), y cuyo mejor piloto es el mayor Gresham (Malcom McDowell), antiguo compañero de estudios de Croft. Una vez allí, chocará con la desconfianza de los pilotos veteranos, y en especial del teniente Crawford (Simon Ward) hacia los pilotos sin experiencia en combate, debido a la alta tasa de bajas que sufre el escuadrón, pese a lo cual Croft no tardará en participar en varias peligrosas misiones de combate que le harán adquirir conciencia de la brutalidad de guerra.

Ases del cielo fue una ambiciosa producción británica de los años 70, con un guión basado en las memorias de dos pilotos de combate de la RAF que lucharon en el frente occidental durante la I GM. La producción dispuso de un genersoso presupuesto, de modo que el director Jack Gold pudo contar con un reparto de primera, en el que figuraban algunos de los actores más famosos del cine británico de la época, en especial Malcom McDowell (el protagonista de La naranja mecánica) y Christopher Plummer. Pese a que la productora no pudo disponer de verdaderos aviones de caza de la Gran Guerra, para recrear estos se usaron varios aparatos belgas de los años 30 convenientemente modificados para parecer auténticos cazas S.E.5, con resultados bastante satisfactorios. Es en este aspecto, así como en la cuidada recreación de las escenas de combate aéreo, que siguen siendo notables hoy dia, donde la película acumula sus mayores méritos. No obstante, también hay que señalar que en el plano narrativo, el resultado de la película es bastante irregular.

Desde el comienzo del film, en el que se muestra al Mayor Gresham dando una conferencia ante un grupo de escolares animándolos a enrolarse en el ejército, el relato adopta un marcado carácter antibelicista, que continúa con la llegada del joven Croft a la escuadrilla del mayor, y mostrando como este se encuentra al borde de un colapso nervioso debido a las bajas que sufre su unidad. Sin embargo, y pese a la variedad de misiones de combate que se muestran en pantalla, a la historia le falta ritmo y los personajes resultan más bien tópicos y encorsetados: el novato que se irá endureciendo con las experiencias del frente, el oficial veterano sicológicamente quemado, el jefe de escuadrilla paternalista…etc, de modo que el espectador no llega a empatizar realmente con ellos.

Otro inconveniente radica en el hecho de que las escenas dedicadas a la vida en retaguardia y a los periodos de descanso de los pilotos se dilaten más de lo aconsejable, ralentizando aun más el ritmo de una narración que ya de por sí no resulta demasiado vivo. En el plano interpretativo, hay que señalar que los actores cumplen bien en sus respectivos papeles, si bien sin que ninguno de ellos logre sobresalir especialmente debido a las limitaciones de un guión que abusa demasiado de los clichés típicos del género bélico, y que en líneas generales, resulta excesivamente plano en el desarrollo de los personajes.

En definitiva, Ases del cielo resulta una película de pulcra factura y más que digna en su faceta técnica, con algunas buenas secuencias de combate aéreo no exentas de espectacularidad. Pero considerada en su conjunto, no puede decirse que sea de las mejores del género. Muy lejos desde luego de otro título similar como Águilas Azules. Una película simplemente correcta.

Calificación: 5,5/10

El Barón Rojo (Der Rote Baron)

2011-02-18T03:53:00.000-08:00

El Baron Rojo (2008)

Tras alistarse en la Fuerza Aerea alemana, Manfred Von Richthofen (Matthias Schweighöfer) derriba el avión del capitán Arthur Brown (Joseph Fiennes), y pronto comienza a hacerse un nombre como uno de los mejores pilotos de caza germanos, siendo rápidamente ascendido y condecorado por sus superiores, deseosos de encontrar héroes de guerra que suban la moral de la población. En principio, Richthofen entiende la guerra como un honesto deporte de caballeros donde el honor está por encima de todo, pero cuando cae gravemente herido en combate y se enamora de la enfermera Kate, comprenderá que está siendo utilizado como un mero objeto de propaganda por sus superiores.

El Barón Rojo ha sido una de las producciones más caras del reciente cine alemán, con un presupuesto cercano a los 18 millones de dólares, recaudados en gran parte gracias a las generosas aportaciones de donantes particulares, que permitieron al directo y guionista Nikolai Müllerschön llevar a la pantalla su ambiciosa adaptación cinematográfica de las hazañas bélicas del célebre Barón Rojo, coincidiendo con el 90º aniversario de su muerte.

En cuanto a la valoración del film, da la impresión de que, a la hora de elaborar el guión, el director no había tomado nota de los errores presentes en la anterior versión de Roger Corman. Se ve que Müllerschön, pese a contar con dicho precedente, no solo no ha corregido los aspectos menos logrados de la anterior, sino que en algunos casos, los ha agravado. Si la película de Corman se inventaba la rivalidad de Richthofen con el piloto Arthur Roy Brown, esta película va un paso más allá, sacándose de la manga que el alemán le salvó la vida a Brown, e incluso que se hicieron amigos tras caer ambos derribados en tierra de nadie. Pero no acaban ahí las licencias históricas que se toma el guión, ya que además de introducir una previsible subtrama romántica (tópica a más no poder), se presenta a Richthofen como un joven totalmente inmaduro e indisciplinado, un retrato muy alejado del perfil de oficial prusiano al que realmente respondía el personaje histórico. A todo esto hay que unirle el hecho que el ritmo de la narración en ningún momento llega a levantar el vuelo, y las dos horas de metraje del film se hacen un tanto largas. Además, de manera sorprendente, la película obvia mostrar el combate en el que murió Richthofen, limitándose a señalar en el epílogo que su derribo se le atribuye al capitán Brown, aunque este extremo no está confirmado históricamente.

Entre los aspectos positivos, cabe destacar por encima de todo la sobresaliente labor de recreación de los escenarios que aparecen en la película, siendo ese el aspecto donde más se nota el holgado presupuesto manejado por la producción. En cuanto a las escenas bélicas y de combates aéreos, son bastante buenas gracias al empleo de los efectos visuales generados por ordenador, aunque algunas maniobras de los aviones resultan demasiado acrobáticas, aunque sin llegar a los excesos de Flyboys. Finalmente, me gustó que apareciera en el film el personaje de Lothar Von Richthofen, hermano menor de Manfred, que llegó a ser otro as de la aviación alemana, si bien siempre estuvo eclipsado por la fama de su hermano mayor. En el apartado interpretativo, la actuación de Matthias Schweighöfer en el papel del Barón me pareció simplemente correcta, al igual que la del resto del reparto.

En definitiva, esta moderna revisión cinematográfica acerca de la figura del Barón Rojo decepciona en más de un aspecto. Da la impresión de que el director ha querido mostrar una versión bastante modernizada y rebelde del personaje para adaptarlo a los gustos del público actual, pero en el camino se deja muchos aspectos claramente mejorables. Un título que, pese a su abundancia de medios, se queda en agua de borrajas, y que no logra mejorar la anterior película de Roger Corman sobre Richthofen.

Calificación: 4/10

El Barón Rojo (Von Richthofen and Brown)

2011-02-14T10:15:00.000-08:00

El Baron Rojo (1971)

Reconstrucción de las hazañas bélicas del célebre as de caza alemán de la I GM, Manfred Von Richthofen (John Phillip Law), desde sus inicios como piloto de combate, siendo adiestrado por el as Oswald Boelcke, pasando por sus primeras victorias, hasta convertirse en un héroe de guerra, lo cual le acarreará la envidia de otros pilotos destacados de su escuadrilla como Hermann Göring. Su fama hará que un piloto canadiense de la RAF, Arthur Roy Brown, se obsesione con la idea de enfrentarse en combate y derribar al famoso piloto alemán.

Hay dos personajes militares alemanes del S. XX cuyas figuras han sido apropiadas por la cultura anglosajona, hasta el punto de ser venerados incluso con mayor entusiasmo que en su país de origen. El primero es Erwin Rommel, El Zorro del Desierto; el segundo, Manfred Von Richthofen, más conocido como El Barón Rojo por ser este el color que Richthofen usaba en sus aviones para que el enemigo le identificara en combate. En este caso, El Baron Rojo fue un ambicioso proyecto personal del director estadounidense, especializado en películas de bajo presupuesto, Roger Corman. Además de asumir la dirección, Corman también fue el encargado de producir la película, financiándola con capital procedente de su pequeña productora independiente. Sin embargo, la relativa modestia del presupuesto no afectó al aspecto de la ambientación, ya que Corman pudo contar para el rodaje con aviones auténticos de la I GM, que fueron obtenidos gracias a la colaboración de un coleccionista particular residente en Irlanda, que ya los había cedido para el rodaje de Aguilas Azules. De este modo, la filmación de las escenas aéreas tuvo lugar en tierras irlandesas, empleándose dos semanas en el rodaje de las mismas, empleando aviones genuinos de la Gran Guerra.

Entrando a valorar el film, en cuanto a los aspectos positivos, hay que recalcar la espectacularidad y realismo de las escenas de combate aereo. Como en la época de filmación no existían los efectos generados por ordenador, todas las secuencias aéreas que aparecen en pantalla son reales, y se filmaron, -como apuntaba- empleando aviones de la época. Sin embargo, prácticamente en ese punto se agotan las cualidades del film, que presenta, por otro lado, bastantes aspectos mejorables. Para empezar, hay muchos hechos que no se ajustan a la historia real de Richthofen, dándole demasiada importancia, por ejemplo, al personaje de Göring, y mostrando una supuesta rivalidad con el piloto canadiense Arthur Roy Brown, una rivalidad totalmente ficticia. Por otro lado el film maneja la teoría –que era la vigente en la época de su rodaje- de que fue Brown quien derribó el Fokker de Richthofen, sin embargo los últimos estudios apuntan a que el avión del Barón Rojo fue en realidad derribado por el fuego realizado desde tierra.

Pero, inexactitudes históricas aparte, lo cierto es que la película tampoco termina de carburar, por varios motivos. El primero se encuentra en la poca sustancia de los personajes principales, que resultan totalmente planos y esquemáticos, y no se benefician en absoluto de la floja interpretación del protagonista John Phillip Law, en el papel de Von Richthofen. Además, el desarrollo de la trama resulta totalmente insulso, con escenas de combate aereo que se intercalan con nulo interés con los aspectos personales de los protagonistas, y que no llegan a captar la atención del espectador. Finalmente, el otro gran lastre que tiene el film es que, pese a la abundancia de escenas de acción, a estas les falta la necesaria dosis de épica, y que en ningún momento logra transmitir el carisma de Richthofen, con el resultado de que la historia, en conjunto, ofrece una sensación algo deslavazada y el ritmo de la narración se antoja más bien cansino.

En definiva, El Barón Rojo se queda en un título de muy cuidada ambientación y más que correcta factura visual, pero bastante plano en el aspecto narrativo, amén de demasiado inexacto en el aspecto histórico. Interesará sin duda a los aficionados al cine bélico, por el atractivo histórico del personaje, pero desde el punto de vista de la calidad artística, es una película que, desde luego, decepciona en más de un aspecto. Un título simplemente pasable.

Calificación: 5/10

Leyendas de Pasión (Legends of the Fall)

2011-02-04T01:31:00.000-08:00

Leyendas de Pasión (1994)

El coronel William Ludlow (Anthony Hopkins) tras ser abandonado por su esposa decide retirarse del ejército y trasladarse a vivir junto a sus tres hijos a un gran rancho de Montana, dispuesto a mantenerse alejado del mundo. Sin embargo, las tensiones con su rebelde hijo Tristan (Brad Pitt) y entre este y el sensato Alfred (Aidam Quinn), se verán acrecentadas cuando el hermano menor, Samuel, decide que su bella prometida Susannah (Julia Ormond) se traslade al rancho a vivir con la familia, surgiendo un incipiente romance entre ella y Tristan. Poco después, el estallido de la Primera Guerra Mundial hará que Samuel, en contra de los deseos de su padre, se aliste en el ejército canadiense para combatir en Francia, por lo que Tristan decide seguir sus pasos para proteger a su hermano menor en el frente.

Leyendas de Pasión supuso la adaptación cinematográfica de la novela de Jim Harrison “Legends of the Fall”, publicada en 1979 y cuya historia llamó la atención del director Edward Zick, quien no obstante, iba a tardar más de una década en ver el proyecto materializado en la gran pantalla. A fin de garantizar el éxito en taquilla la productora se aseguró de contar con un actor consagrado como Anthony Hopkins, y sobre todo, con la presencia del sex symbol masculino de Hollywood, que por aquel entonces era una estrella emergente, Brad Pitt. La película contó además con un generoso presupuesto cercano a los 30 millones de dolares y recibió 8 nominaciones a los Oscar, aunque finalmente solo se alzó con una estatuilla, la de mejor fotografía, que recayó sobre el técnico John Toll. Además, la película no terminó de conectar con el gran público, ni de funcionar en taquilla como se esperaba.

Y lo cierto es que, analizando el film, es comprensible que este no se convirtiera en un arrollador éxito comercial. Porque se aprecia a la legua que el intento de Zick por crear un deslumbrante relato épico que combinara elementos del Western clásico, cine bélico y una historia romántica de fondo, no terminó de funcionar adecuadamente en pantalla. En primer lugar, porque los personajes, además de resultar tópicos, no están nada bien desarrollados. Principalmente el de Tristan, que parece un simple vehículo de lucimiento para el físico de Brad Pitt, cuya actuación, por cierto, deja bastante que desear. Incluso el habitualmente brillante Anthony Hopkins aparece bastante sobreactuado interpretando al torturado coronel Ludlow, un personaje que solo logra sacar el lado histriónico del actor galés. A todo ello se le une una historia narrada sin pulso, cuyas dos horas y media de metraje se hacen largas y un guión que oscila entre lo almibarado y lo pretencioso, incluyendo una subtrama de pretendida sensibilidad hacia los indios americanos, que dicho sea de paso, no aporta nada al relato.

Al menos, eso sí, hay que reconocer que las escenas bélicas están filmadas con eficiencia si bien la secuencia que muestra la muerte de Samuel en combate se antoja poco realista y transmite al espectador una sensación de forzado dramatismo, más efectista que efectivo. Como curiosidad, también muestra la participación canadiense en la I GM, un tema poco tratado en el cine de Hollywood.

En definitiva, “Leyendas de Pasión” resulta un producto fallido que no cumple ni de lejos sus ambiciosos objetivos, ya que como relato épico resulta aburrido, y como historia romántica, no logra transmitir gran cosa al espectador, conformándose con coleccionar tópicos y clichés al uso de este tipo de Films con nula capacidad para emocionar. Una película simplemente pasable, en el mejor de los casos.

Calificación: 5/10

El Almirante (Admiral Kolchak)

2011-01-13T10:27:00.000-08:00

El Almirante (2008)

Relato biográfico acerca de la figura del almirante ruso Alexander Kolchak, desde su heroica actuación en 1916, al mando de un destructor en aguas del Mar Báltico, pasando por su ascenso a comandante en jefe de la flota del Mar Negro, hasta llegar a convertirse en uno de los líderes del Ejército Blanco durante la Guerra Civil Rusa. Paralelamente a su exitosa carrera militar, Kolchak vivirá también un difícil romance con Anna Timireva, la esposa de uno de sus oficiales, quien durante los turbulentos meses de la guerra civil se convirtió en una figura clave en la vida del almirante.

El Almirante ha sido una de las más recientes superproducciones de la pujante industria cinematográfica rusa, un ambicioso proyecto que costó casi 5 años finalizar y que dispuso para su rodaje de un presupuesto superior a los 20 millones de dólares. Además, la película tiene el interés de recuperar la memoria histórica acerca del almirante Alexander Kolchak, unos de los grandes marinos del S. XX, famoso por sus exploraciones del Ártico, y por su papel como jefe contrarrevolucionario durante la guerra civil rusa. Naturalmente, era un personaje al que el régimen sovietico condenó durante décadas al más absoluto olvido, pero que, gracias a las nuevas circunstancias políticas imperantes en Rusia, ha sido ahora reivindicado con este lujoso biopic.

Y ciertamente, el film pone de relieve su elevado presupuesto con un arranque espectacular, que muestra un trepidante combate naval entre el destructor capitaneado por Kolchak y un poderoso crucero de batalla alemán, un enfrentamiento desigual del que los rusos salen victoriosos gracias a la inteligencia y sangre fria de su capitán. También me gustó la forma en que se cuenta el inicio del romance entre Kolchak y Anna Timireva, mostrando con elegancia como surge la química entre ambos. Sin embargo pasados los primeros quince minutos, la historia comienza rápidamente a perder el pulso, y el ritmo de la narración claramente pierde fuelle, además de resultar sumamente confusa, sobre todo para el espectador poco versado sobre los hechos históricos que se relatan.

Por un lado, hay varios saltos temporales entre la época de la guerra y el estallido de la Revolución Bolchevique y la Guerra Civil, que apenas se explican; y por otro lado el guión peca en más de un momento de pasteloso al recrearse demasiado en la trama romántica de la historia. Una trama amorosa que, conforme avanza la narración, va cobrando mayor importancia, hasta convertirse en el eje central de la misma, con el inconveniente de que el romance entre Kolchak y Anna está desarrollado de una manera muy poco imaginativa, y amén de reiterativo, resulta bastante previsible y aburrido para el espectador.

En el aspecto histórico, también pueden señalarse algunos aspectos poco pulidos del guión, especialmente el retrato excesivamente benévolo que se hace de las fuerzas del ejército blanco o contrarrevolucionario. No se dice nada acerca de las matanzas, saqueos y atrocidades cometidos por los soldados de Kolchak en las zonas bajo su control, y por tanto, no se explican las causas por las que las fuerzas blancas fueron perdiendo gradualmente el apoyo popular, y fueron finalmente derrotadas por el Ejército Rojo. También se idealiza en extremo la figura de Kolchak, ofreciendo un retrato del personaje que, bajo mi punto de vista, resulta como mínimo incompleto desde el punto de vista histórico.

Pese a ello hay que recocer que el trabajo de los actores resulta bueno, en especial por parte del protagonista Konstantin Khabensky, dotando a su personaje del carisma y la personalidad necesarios para hacer creible su interpretación. Otros aspectos destacables del film radican en la esmerada puesta en escena y recreación de los escenarios, así como en las muy vigorosas secuencias de acción bélica. Es una pena que la parte discursiva del film no esté a la misma altura que los aspectos técnicos, ya que de haber sido así, habríamos estado sin duda ante una de las grandes películas de década.

En definitiva, El Almirante ofrece al espectador unas espectaculares secuencias de acción, y una muy buena puesta en escena. Pero desde el punto de vista narrativo, la película adolece de demasiados aspectos manifiestamente mejorables, y además, no resulta del todo satisfactoria como retrato histórico de uno de los periodos claves del S. XX. Al final, se queda en un título de esmerada factura formal y visual, pero simplemente correcta en cuanto a calidad cinematográfica.

Calificación: 5,5/10

Doctor Zhivago

2010-12-27T06:00:00.000-08:00

Doctor Zhivago (1965)

El relato comienza en Rusia, a finales del S. XIX. El niño Yuri Zhivago (Omar Sharif), tras quedar huérfano, es acogido por unos familiares, trasladándose a vivir a Moscú. Años más tarde, siendo ya un joven estudiante de medicina, vivirá los sucesos de la revolución de 1905 y conocerá brevemente a la bella Lara (Julie Christie), hija de una humilde modista, sometida al designio del poderoso y corrupto abogado Komarovski (Rod Steiger), y futura esposa del lider revolucionario Pasha Antipov. Años más tarde, tras haber contraido matrimonio con Tonia (Geraldine Chaplin), el estallido de la I GM provocará que el doctor Zhivago sea enviado al frente como médico militar, reencontrándose allí con la enfermera Lara, surgiendo entre ellos un apasionado romance que se verá truncado por el inicio de la revolución bolchevique.

En el año 1957 aparecía publicada en Italia la novela El Doctor Zhivago, escrita por el poeta ruso Boris Pasternak. El relato de Pasternak, lleno de lirismo, suponía una reflexión sobre la historia de Rusia a lo largo de la primera mitad del S. XX, a la par que una crítica a los aspectos más oscuros del régimen bolchevique y a los excesos del periodo revolucionario. Naturalmente, el contenido de la novela le acarreó a su autor la censura de las autoridades soviéticas, así como la imposibilidad de publicar la novela en la URSS. Sin embargo, el éxito mundial del libro fue casi inmediato, y le valió a Pasternak para recibir el premio nobel de literatura del año 1958, premio que Pasternak, fuertemente presionado por las autoridades sovieticas, tuvo que declinar. En cualquier caso, era sólo cuestión de tiempo que la novela de Pasternak fuerra llevada al cine.

Finalmente, fue el productor Carlo Ponti quien, tras una dura puja, logró hacerse con los derechos cinematográficos del libro, e involucrar de este modo a la productora MGM para realizar el film basado en el mismo. Como Ponti estaba dispuesto a realizar una gran película que estuviera a la altura del relato literario, se aseguró de contratar al mismo equipo artístico y técnico que se había encargado de realizar 3 años antes la exitosa y oscarizada Lawrence de Arabia, empezando por su director, el británico David Lean. Este quiso repetir la experiencia, ofreciendo el papel de Zhivago a Peter O´Toole, pero al parecer el actor rechazó la propuesta dado el nivel de exigencia que Lean le había mostrado durante el rodaje de Lawrence de Arabia. Así que finalmente el papel recayó sobre el prometedor actor egipcio Omar Shariff, quien también había colaborado con Lean en su anterior film.

El rodaje de la película tuvo lugar casi íntegramente en España, construyéndose para recrear los escenarios moscovitas, un enorme decorado en el suburbio madrileño de Canillas, que incluia edificios de estética rusa, una linea de tranvia y una réplica del Kremlin. Para los escenarios exteriores se usaron localizaciones situadas en la provincia de Soria, y solo algunas de las escenas invernales fueron rodadas fuera de España, concretamente en Finlandia.

Entrando a valorar el film, lo primero que hay que reconocer es que la película sabe sintentizar la densidad narrativa de la novela, acortando determinadas partes del relato, pero sin alterar la sustancia del mismo. Un relato que, por otra parte, se apoya en las excelentes interpretaciones del elenco de actores protagonistas, empezando por un incomensurable Omar Shariff, impecable en su papel de Zhivago, muy bien respaldado por Geraldine Chaplin interpretando a su esposa y Julie Christie como la pasional Lara. Además, la película se apoya en la magnífica y sugerente banda sonora compuesta por el maestro Maurice Jarre, y que se convirtió en un auténtico éxito comercial, alcanzado las 600.000 copias vendidas durante el periodo de exhibición del film. Finalmente es digno de destacarse la esmeradísima puesta en escena de la que hace gala David Lean a la hora de recrear los escenarios y ambientes, que logran meter de lleno al espectador en la época y el ambiente que se retratan en la pantalla.

Ahora bien, bajo mi punto de vista a “Doctor Zhivago” le falta un peldaño para haber llegado a ser una auténtica obra maestra del Séptimo Arte. Y ello se debe principalmente a que, pese a haber sabido captar fielmente la esencia del relato de Pasternak, la película falla al trasladar a la pantalla el intenso lirismo de la novela, así como determinados matices que dotaban de mayor fuerza al texto literario. Entre ellos cabe citar especialmente dos: el hecho de que el guión del film ponga especial énfasis en resaltar el aspecto antibolchevique de la novela, y en segundo lugar el retrato algo desdibujado que se hace del personaje de Lara. Lo primero es algo lógico teniendo en cuenta las circunstancias políticas de la época de la Guerra Fria, pero que viene en cierta medida a deslucir la intención del autor, que era la de reivindicar la libertad del individuo frente a cualquier tipo de opresión. En cuanto al segundo aspecto, para el lector de la novela, el retrato que se hace del personaje de Lara no termina de ser satisfactorio, ya que mientras en el libro Lara aparece retratada como una mujer de fuerte temperamento y personalidad, en la película parece un personaje mucho menos decidido e incluso voluble. Y en ese sentido, quizás sea el personaje de la novela que peor encaje encuentra en la película.

En cualquier caso, ni que decir tiene que Doctor Zhivago es una de esas películas que merecen ser vistas al menos una vez. Una más que digna adaptación del relato de Pasternak y un muy interesante fresco histórico sobre el pasado reciente de Rusia. Imprescindible para los buenos aficionados al cine.

Calificación: 7,5/10

Gallipoli

2010-03-10T09:16:00.000-08:00

Gallipoli (1981)

La historia nos sitúa en Australia en 1915. El joven velocista Archy Hamilton (Mark Lee) es toda una promesa del atletismo y un ídolo local, que sueña con alistarse en el ejército y combatir en la guerra. Aprovechando una estancia fuera de su casa para disputar una competición atlética, Archy decide fugarse para enrolarse en la caballería ligera. Tras ser rechazado por su corta edad, trabará amistad con otro corredor llamado Frank Dune (Mel Gibson) que le propone viajar a Perth para volver a intentar alistarse. Durante el camino hacia la ciudad, en el que Archy y Frank deberán cruzar a pie un buen trecho de desierto surge una estrecha amistad entre ambos jóvenes, y pese a que Frank en principio es contrario a participar en la guerra, finalmente seguirá los pasos de su amigo alistándose en la infanteria para combatir en Gallipoli contra los turcos.

El director australiano Peter Weir fue el encargado de llevar a la gran pantalla esta película basada en la famosa Campaña de Gallipoli (o de los Dardanelos) ideada por el Primer Lord del Almirantazgo británico Winston Churchill para sacar a Turquia de la guerra. Una campaña que se saldó con un fracaso total y que le costó a los aliados cerca de medio millón de bajas de las que unas 30.000 fueron australianas. Weir tardó cerca de 3 años en reunir los fondos necesarios para financiar el proyecto, ya que la película, con un presupuesto cercano a los 3 millones de dólares supuso la producción más cara del cine australiano hasta la fecha. Al final el dinero pudo conseguirse gracias a la participación financiera del magnate de los medios de comunicación Rupert Murdoch, que mostró interés en el proyecto porque uno de sus abuelos había cubierto la campaña de los Dardanelos como corresposal de guerra.

Y hay que decir que, desde luego, el dinero estuvo muy bien invertido. La película, que tiene un arranque apacible para ir subiendo gradualmente de intensidad conforme avanza, sabe ofrecerle al espectador una historia entrañable a la vez que realista, que rezuma humanidad. Una historia en la que se nos habla de la amistad verdadera, el idealismo de toda una generación de jóvenes cuyas vidas iban a ser truncadas por la guerra, y el absurdo de esta, que llevó a miles de soldados a realizar un sacrificio inútil en una campaña que militarmente era un callejón sin salida. En ese sentido la película cuenta con varios elementos destacables, desde la excelente química de su dúo protagonista, con unos jovencísimos Mel Gibson y Mark Lee en estado de gracia; unido a una sobresaliente puesta en escena, una excelente labor de recreación y ambientación de los escenarios donde transcurre el film, y una fotografía de gran calidad. Tampoco puede dejar de mencionarse la muy adecuada Banda Sonora del film, que combina los modernos sonidos del album Oxygen de Jean Michel Jarre con la sobrecogedora solemnidad clásica del Adagio de Albinoni.

Sin duda lo mejor del film estriba en su parte final, cuando la historia camina hacia un desenlace que condensa el mensaje antibelicista (no exento de un evidente poso antibritánico) de la historia. Un desenlace muy bien filmado que –pese a tener ciertas reminiscencias de Sin Novedad en el Frente- tiene la capacidad de sobrecoger al espectador, amén de servir como trágico cierre a la historia.

En definitiva, “Gallipoli” es un título notable al que quizás le faltan algunos matices para haber llegado a la categoría de obra maestra. Pese a lo cual, es una de esas películas de esmerada factura visual y artística que pueden volverse a ver cada cierto tiempo sin que pierdan el interés. Una película de temática antibélica muy recomendable.

Calificación: 7,5/10

La Crítica de Reisman

Feliz Navidad (Joyeux Nöel)

2010-03-02T08:51:00.000-08:00

Feliz Navidad (2005)

Frente Occidental, Navidad de 1914. Mientras las tropas de ambos bandos se preparan para pasar sus primeras navidades en las trincheras de Francia, la cantante de opera sueca Anna Sorensen (Diane Kruger) convence al alto mando alemán para que la dejen actuar junto a su amante, el tenor alemán Nikolaus Sprink en una representación de ópera que va a tener lugar en el Cuartel General; con la secreta intención de ayudar a Nikolaus a desertar. De forma paralela, en uno de los sectores del frente, un teniente escocés y uno francés negocian una tregua informal con un teniente alemán para realizar un "Alto el Fuego" durante la nochebuena. La tregua será aprovechada por los soldados de ambos bandos para relacionarse y confratenizar, lo cual no tardará en provocar las censuras y represalias del Alto Mando.

En el que supuso su segundo largometraje, el realizador francés Christian Carion se embarcó en una coproducción entre estudios de cinco países europeos, para llevar a la gran pantalla los acontecimientos históricos relatados por Yves Buffetaut en "La increíble Navidad de 1914", recogido dentro del libro "Las batallas de Flandes y Artois 1914-18". Dicho relato se basa en los hechos que rodearon a la famosa "Tregua de navidad" de 1914 en el Frente Occidental, cuando los responsables de varios sectores del frente acordaron espontáneamente un alto el fuego temporal para poder celebrar la navidad. Durante esas horas de tregua nubo varios casos de confraternización entre los soldados alemanes y aliados, e incluso llegaron a formarse coros de villancicos y a disputarse un partido de fútbol. Naturalmente, en cuanto estos hechos llegaron a oídos del alto mando se dictaron órdenes tajantes para impedir nuevos actos de confraternización e incluso se instruyeron consejos de guerra a los oficiales implicados en el acuerdo de la tregua.

Estos son los hechos que la película traslada a la pantalla, con un resultado correcto, pero no del todo brillante. Porque aunque es cierto que “Feliz Navidad” es una película bastante fiel a los hechos reales en que se inspira, con un trasfondo antibélico que se sintetiza en el mensaje de fraternidad entre las distintas naciones a través del espíritu de la navidad, en el plano narrativo la pelicula evidencia varias limitaciones. La historia está contada con pulcritud formal y estética, pero la verdad es que se echa en falta algo más a la hora de abordar el manido tema antibelico. Y es que la película peca de quedarse demasiado en la superficie de lo que cuenta. Los hechos que aparecen (partido de futbol incluido) son verídicos, pero como suele ocurrir en este tipo de filmes, el conjunto queda algo frio. Tampoco me terminó de convencer la inclusión de la subtrama relativa al romance del personaje de la bella, aunque algo inexpresiva, Diane Kruger con el soldado alemán, porque añade un toque pasteloso que en mi opinión no termina de cuajar con el resto de la historia. Y en general el tono de la narración resulta demasiado idílico, faltando bajo mi punto de vista algo más de realismo y de crudeza a la hora de mostrar los horrores de la guerra de trincheras.

En definitiva, “Feliz Navidad” resulta un producto de aceptable calidad técnica y estética pero algo desangelado en su conjunto, y también adolece de un punto mayor de ritmo narrativo. Aunque como cuento de navidad que predica los valores de la solidaridad y fraternidad humanas por encima de las diferencias nacionales no está mal, como película (anti) bélica resulta simplemente correcta. Una película amable que se deja ver, aunque sin excesivos alardes cinematográficos.

Calificación: 5,5/10

Johny cogió su fusil (Johny Got His Gun)

2010-02-15T03:55:00.000-08:00

Johny cogió su fusil (1971)

Tras ser gravemente herido en el frente por un proyectil de artillería, el soldado Joseph Bonham (Timothy Bottoms) es trasladado a un hospital de campaña. Pese a haber sobrevivido a la explosión, Joe ha quedado terriblemente mutilado y aparentemente en estado vegetativo, por que los médicos deciden usarlo como un caso de estudio clínico vivo, sin saber que aun es consciente de lo que ocurre a su alrededor. Ya en el hospital de retaguardia, Joe rememorará su vida anterior a la guerra, a la vez que experimentará la angustia de ser prácticamente un muerto en vida.

En 1939, el guionista y escritor norteamericano de ideología comunista, Dalton Trumbo escribió una novela de temática antibelicista, basada en un hecho real acaecido en la I GM, titulada Johny got his gun que suponía una feroz y ácida crítica al militarismo que había conducido a las potencias mundiales a enfrentarse en la Gran Guerra. Tres décadas después, tras haber sufrido durante varios años la persecución de “La Caza de brujas” del senador McCarthy, y haber sido proscrito en Hollywood por causa de su ideología comunista, Trumbo decidió llevar al cine la adaptación de su propia novela. En un principio Trumbo consideró la opción de confiar en el español Luis Buñuel para dirigirla, pero finalmente decidió encargarse él mismo de la dirección del film. Al final la participación de Buñuel se redujo a su colaboración, de forma no acreditada, en el diseño visual de algunas de las escenas de contenido onírico del film.

Entrando a valorar la calidad de este, la verdad es que me parece una película irregular y que no ha envejecido del todo bien. Lo mejor de la película radica en su sobrecogedor arranque, que nos cuenta, sin mostrarlo explícitamente, las terribles heridas sufridas por el protagonista, su agobiante recuperación de la consciencia y como cae en la cuenta del horror que le produce su incomunicación con el mundo exterior. Sin embargo, tras ese contundente arranque, por momentos estremecedor, la película pierde pulso al derivar en varios flashbacks un tanto insustanciales, que a su vez son aderezados con una serie de pretenciosas escenas oníricas demasiado efectistas para mi gusto, y que en su mayor parte aportan poco a la historia.

Lo mejor del film son, de lejos, las escenas que transcurren en el hospital y en las que el protagonista reflexiona sobre el horror de la guerra, la dignidad de la vida humana, la eutanasia…etc. En el resto de escenas que se desarrollan en la época anterior a la guerra, eché en falta algo más de concisión narrativa y precisión en los diálogos, porque la verdad es que son escenas que resultan más bien reiterativas e incluso insípidas en algunos momentos. Es una pena que no se pulieran más esos aspectos del guión porque entonces sí que podría haberse conseguido una auténtica obra maestra antibelicista.

Vista en retrospectiva no puede negarse que “Johny cogió su fusil” fue una película rompedora, pero también con un importante componente coyuntural, marcado por el fuerte sentimiento antibelicista que surgió en la sociedad norteamericana de la época, como reacción colectiva frente a los horrores del conflicto de Vietnam. Pese a que aun hoy dia sigue resultando una película impactante, y pese a que su visionado mueve a la reflexión, en conjunto me parece que estuvo en su momento un tanto sobrevalorada y dista mucho de ser redonda. En cualquier caso, hay que reconocer que es uno de esos films que hay que ver al menos una vez.

Calificación: 6,5/10

La Batalla de Passchendaele (Passchendaele)

2010-02-01T09:46:00.000-08:00

La Batalla de Passchendaele (2008)

Tras resultar herido en combate tratando de salvar a sus compañeros el sargento Michael Dunne (Paul Gross) del Cuerpo Expedicionario Canadiense, es enviado de vuelta a Canadá para recuperarse de sus heridas. En el hospital conocerá a la atractiva enfermera canadiense de origen alemán Sarah Mann, cuyo padre resulta haber muerto en acción combatiendo contra los canadienses en las filas del ejército del Kaiser. Después de evitar que el hermano de Sarah, David, enfermo de asma, sea enviado al frente, Dunne inicia un romance con la enfermera, romance que se verá truncado por los deseos de David de combatir en Europa y por el odio que despierta el origen alemán de Sarah entre la población local.

El título de la película podría inducir a pensar que se trata de un relato sobre la cruenta Batalla de Passchendaele (o tercera batalla de Ypres), una de las ofensivas aliadas más costosas en vidas humanas -e inútiles en cuanto a sus resultados militares- de la I GM. No en vano, la batalla, que se prolongó a lo largo de cuatro meses de 1917, se cobró la cantidad de 300.000 bajas, siendo 16.000 de ellas canadienses para lograr unas mínimas ganancias territoriales. Sin embargo, la película no pretende describir los aspectos militares de la batalla, sino que por el contrario, la usa como mero telón de fondo para dar paso a una historia personal con un claro mensaje antibelicista.

La película, que ha supuesto un record en cuanto a presupuesto para el cine canadiense (21 millones de dolares) ha sido posible en gran medida gracias al empeño personal del actor canadiense Paul Gross quien se encargó de escribir el guión del film, de dirigirlo, y de interpretar el papel protagonista del Sargento Dunne. Al parecer, Gross se inspiró en la figura de su abuelo, que combatió realmente en la I GM, para crear el personaje de la película. Entrando a valorar el film, he de decir que me esperaba bastante más de él. Las escenas bélicas, concentradas en la parte final de la historia, son bastante buenas y realistas, amén de estár bien filmadas, pero en general resultan insustanciales. Y ello es gran medida porque hasta llegar a esos veinte minutos de acción finales hay que aguantar casi hora y media de una parte discursiva que a todas luces se alarga demasiado. Se nota que el director tenía muy presente la necesidad de reforzar el mensaje antibélico del film, porque este empapa prácticamente cada fotograma de la pelicula.

El problema es que, a fuerza de insertar escenas para críticar la guerra, esta crítica se hace excesivamente reiterativa y, en última instancia, aburrida. Además se introducen los inevitables (y aburridos) interludios románticos de rigor, centrados en la relación del Dunne con la enfermera, plagados de diálogos pretendidamente profundos y un tanto pastelosos. En ese aspecto la película cae en un excesivo desarrollo argumental de la parte de la trama que transcurre en Canadá, lo cual redunda en un inevitable acortamiento de la parte final de acción bélica, que al final resulta un tanto insustancial por descontextualizada. Tampoco puede decirse que las actuaciones de los actores, (quitando la de Paul Gross, que es de lejos la más inspirada), brillen con luz propia, de forma que al final uno se queda con la sensación de que está ante una historia ya vista con anterioridad, e incluso algo trillada. Y llama especialmente la atención los evidentes paralelismos que pueden establecerse con otra película antibélica ambientada en la I GM como “Gallipoli” de Peter Weir.

En cualquier caso hay que reconocer que por su excelente ambientación y capacidad de impacto de las escenas bélicas “La batalla de Passchendaele” merece al menos un visionado. Pero hay que concluir que es una pena que no se haya sacado un mayor partido al meritorio aspecto visual del film para construir una historia con un punto mayor de originalidad, y –sobre todo- de capacidad para emocionar. Al final se queda en un producto correcto, pero poco más.

Calificación: 5,5/10

Trailer de la Pelicula

Largo domingo de noviazgo (Un long dimanche de fiançailles)

2010-01-11T04:50:00.000-08:00

Largo domingo de noviazgo (2004)

Finalizada la I GM la joven Mathilde (Audrey Tautou) se niega a creer la muerte de su prometido Manech (Gaspard Ulliel), dado por desaparecido en el frente tras ser sometido a consejo de guerra junto con otros 4 soldados y enviado a la tierra de nadie en la zona denominada “Bingo Crepúsculo” situada entre las trincheras francesas y alemanas. Mathilde, convencida interiormente que Manech vive emprenderá una esforzada investigación para reconstruir las circunstancias de su desaparición y localizarlo. Ello le permitirá descubrir los sucesos que rodearon a los soldados implicados en el consejo de guerra, y revivir los horrores de la contienda.

Dirigida por el realizador francés Jean-Pierre Jeunet (el mismo realizador de la exitosa “Amelie”), Largo domingo de noviazgo supuso la adaptación cinematográfica de la novela homónima del autor francés Sébastien Japrisot. Lo primero que llama la atención de esta película, es su cuidado aspecto estético y ambientación, que logra meter de lleno al espectador en las trincheras de la I Guerra Mundial. En ese sentido, me parece uno de los títulos, dentro del género bélico, más sugerentes y de mejor factura de la última década. La historia, narrada mediante una serie de flashbacks que nos trasladan de los apacibles y tranquilos escenarios campestres de la posguerra al crudo horror de la guerra de posiciones en el frente occidental, conjuga un atractivo estilo visual que logra cautivar al espectador desde el principio, con un poético mensaje de amor profundo, el que Mathilde personifica, con la búsqueda de su novio desaparecido, una búsqueda por encima de toda lógica, pero que parte de la profunda convicción de quien se niega a anteponer la razón a sus sentimientos. En ese sentido, hay que decir que Audrey Tautou borda nuevamente el papel de chica aparentemente frágil y llena de dulzura, pero con una voluntad de hierro para llegar hasta el final de su investigación.

Siguiendo el estilo narrativo que ya nos mostró en "Amelie", Japrisot enriquece la trama principal con una serie de escenas humorísticas no exentas de cierta truculencia; así como con la introducción de historias paralelas que corren a cargo de personajes chocantes, (como el detective privado o la amante vengadora) que se integran bien en el resto de la historia. Sin embargo es una pena que –a mi modo de ver- la película se quede en “casi” una obra maestra. Y digo esto porque la película no termina de ajustar bien algunas claves de la narración, lo cual le resta brillantez al conjunto y ensombrece en parte sus otras virtudes.

En concreto, creo que el principal fallo es que se recrea demasiado al reconstruir las vidas de los cuatro compañeros de Manech, dando lugar a unas abundantes referencias de nombres, personajes, lugares y demás detalles que, la verdad, confunden al espectador en más de un momento. El resultado es que, el desarrollo de la historia a lo largo de los diferentes flashbacks se hace en algunos momentos pesado y difícil de seguir. Y también, en mi opinión, el guión podría haberse ahorrado el tono excesivamente humorístico que cobra la narración en algunos de los pasajes de la historia, especialmente en la parte protagonizada por el detective privado que busca a Manech, pues tiende a aligerar demasiado la carga romántica y dramática que contiene el resto de la historia. Finalmente, podría señalarse que el desenlace estropea un tanto el buen hacer de la construcción de la trama, por resultar demasiado previsible y convencional. Una pena, porque, de haberse corregido esos defectos, -y en mi opinión podría haberse hecho- estaríamos ante una de las grandes películas de pasada década.

Pese a ello hay que reconocer que “Largo domingo de noviazgo” es una película notable, tanto por su cuidado y original aspecto estético, como por su planteamiento narrativo, combinando a la perfección las estupendas secuencias bélicas, con la historia de amor y de la investigación de fondo. Sin duda se cuenta entre los mejores filmsque se han hecho sobre la I GM hasta la fecha, aunque en mi opinión no resulte del todo redondo por las razones expuestas. En cualquier caso, es una película que hay que ver al menos una vez.

Calificación: 7,5/10

Zeppelin

2010-01-07T03:31:00.000-08:00

Zeppelin (1971)

La acción nos sitúa en 1917. Geoffrey Ritcher-Douglas (Michael York), un oficial británico de ascendencia alemana, es captado por los servicios secretos alemanes para que trabaje para ellos. La inteligencia británica decide aprovechar la oportunidad para infiltrarlo como agente doble e intentar conseguir los planos de un nuevo y secreto modelo de Zeppelin, el LZ36, un dirigible con un mayor techo de vuelo. Sin embargo, en el cumplimiento de su misión, Richter-Douglas se verá a su vez implicado en una arriesgada incursión alemana en territorio enemigo, con el objetivo de hacerse con los documentos más valiosos del archivo imperial británico, custodiados en un bunker secreto de Escocia.

Filmada a comienzos de los años 70 por el director belga Etienne Perier, “Zeppelin” supuso un caso un tanto atípico dentro del cine bélico de la época. Y fue atípico por tratarse de una película ambientada en la I GM y contada, además, desde el punto de vista alemán. La película, que mezcla elementos del cine de espionaje, suspense, y bélicos no tuvo demasiado éxito comercial en su momento. En mi opinión ello se debe a dos motivos principales: la escasa verosimilitud del punto de partida argumental; y, por otra parte, la endeble actuación del protagonista, Michael York, pues no supo imprimir a su personaje, en torno al cual gira toda la trama, ni la intensidad ni el carisma que requería. Tampoco puede decirse que su química con la coprotagonista, la bella Elke Sommer, fuera ejemplar, lo cual explica en buena parte los aspectos fallidos del film.

Pese a ello hay que reconocer que la película también tiene aspectos positivos, especialmente en lo referente a la recreación del Zeppelin, los efectos especiales, y las excelentes tomas aéreas que contiene, así como unas secuencias bastante buenas de combates aéreos. También hay que señalar que, pese al desarrollo algo plano de la trama, la película se ve con interés y no aburre en ningún momento al espectador, aunque no llegue a conjugar del todo bien los distintos elementos narrativos que plantea.

En definitiva “Zeppelin” resulta un producto decente, aunque algo inverosímil desde el punto de vista argumental. Pese a ello, no es una película carente de interés por sus buenas escenas aereas, y por ser una de las pocas recreaciones cinematográficas que se han hecho de esos colosos de los cielos que fueron los Zeppelines. Una de esas películas que se ve sin demasiada emoción, pero con agrado.

Calificación: 5,5/10

Trailer de la pelicula en Youtube

Capitán Conan (Capitaine Conan)

2007-11-15T08:54:00.000-08:00

Capitán Conan (1996)

Durante la I GM, la unidad del Teniente (posteriormente ascendido a capitán) Conan, tras participar en duros combates en el Frente de los Balcanes, espera ser repatriada a Francia. Sin embargo, una vez firmado el armisticio de Noviembre 1918, y tras un problemático acuartelamiento en Bucarest, durante el que el mejor amigo de Conan, el Teniente Norbert, tendrá que formarle consejo de guerra a varios soldados, Conan y sus hombres son enviados a combatir en el Delta del Danubio contra las fuerzas bolcheviques rusas.

Dirigida por el afamado realizador francés Betrand Tavernier, quien se basó en la novela homónima del escritor Roger Vercel, “Capitán Conan” es una película con un potente mensaje antibelicista. La guerra en este film es deliberadamente presentada en su forma más descarnada y abrupta (muy buena la escena en la que Conan ataca una posición enemiga armado con cuchillos y lanzando granadas con hondas). Los temas que plantea la historia son los recurrentes en este tipo de films, pero siempre resultan de interes: el falso heroísmo frente a la brutalidad de los combates, el abismo existente entre los altos oficiales y los soldados enviados a morir en el frente, y el dualismo entre razón e instinto, que se nos muestra personificado en la racionalidad del teniente Norbert y la visceralidad de Conan.

Todos estos temas aparecen correctamente articulados en el argumento, aunque el conjunto no acaba de cuajar del todo y resulta quizás un poco frio, al tratarse tantos temas simultaneamente. Personalmente opino que hay un exceso de metraje y que determinadas partes se alargan innecesariamente, (sobre todo en la parte de los consejos de guerra que Norbert va instruyendo), pudiendo haberse recortado o suprimido sin que la pelicula perdiera sustancia. Aunque el film no muestra demasiadas escenas de acción bélica, pero las que hay están bien filmadas, sobre todo el asalto a una colina defendida por tropas búlgaras y el intento de cruce del Danubio por parte de los bolcheviques.

En el apartado interpretativo, hay que destacar especialmente el personaje de Conan, con diferencia lo mas logrado del film, con una gran interpretación del protagonista que logra hacer muy creible y humano su personaje de hombre de acción inteligente pero muy embrutecido y viblemente deshumanizado por las vivencias de la guerra.En resumen “Capitán Conan” es una buena película aunque quizás un poco falta de ritmo.

Critica de Reisman

El Batallón Perdido (The Lost Batallion)

2007-11-14T09:57:00.000-08:00

El Batallón Perdido (2001)

La acción se situa en el Frente Occidental en Octubre de 1918. Los aliados preparan una ofensiva conjunta de las tropas norteamericanas y francesas para romper las lineas defensivas alemanas zona del Bosque de Argonne, un sector fuertemente defendido y fortificado. La ofensiva comienza con éxito en el sector norteamericano, pero resulta rechazada en el francés, por lo que el ataque se suspende. Sin embargo, parte de la 77ª division de infanteria de EEUU, concretamente el batallón del Coronel Wittlesey, que ha conseguido romper las defensas alemanas, ha quedado aislado muy dentro de la retaguardia enemiga. Mientras esperan ayuda y refuerzos, el batallón de Wittlesey habrá de rechazar en solitario los furiosos contraataques alemanes.

Basándose en los hechos reales acaecidos durante la batalla de Argonne, en el contexto de la última ofensiva aliada de la guerra “El batallón perdido” va en la linea de los telefilmes norteamericanos dedicados a la mayor gloria de sus hazañas bélicas. Como suele ser habitual en este tipo de producciones, la factura visual y la ambientación son bastante correctas, pero el trasfondo de la historia es bastante plano. Todo el filme viene a destilar la misma moraleja: EEUU es una gran nación compuesta por múltiples razas que luchan por la libertad y por eso mismo sus ejércitos vencen en el campo de batalla. El hecho de que Octubre de 1918 el ejército del Kaiser fuera una sombra del de 1914, lleno de reservistas y hombres desmoralizados no se menciona ni de pasada (seguramente porque entonces las hazañas del heroico batallón serían menos gloriosas, y claro, no es cosa de deslucir el valor de los chicos USA).

Las escenas de combates no están del todo mal en el apartado técnico, pero la puesta en escena es a veces un poco burda. Por ejemplo, en la escena del ataque de las “Stosstruppen” contra la posición americana, los alemanes avanzan frontalmente (eso sí algunos armados con lanzallamas) y para nada usan las tácticas propias de dichas tropas consistentes en ataques dividos en secciones de armas combinadas.

Los actores, la mayoría de ellos desconocidos, están correctos en general sin demasiados alardes, ni ninguno que destaque especialmente en su interpretación. Los personajes que integran la unidad americana son muy típicos y tópicos: el general que desprecia la vida de sus hombres, el oficial esforzado y honesto, el soldado bruto, el suboficial duro… en fin todo muy visto en decenas de películas bélicas anteriores.

En fin, "El Batallón Perdido" resulta una película bélica pasable, de esas que puede servir para aliviar el sublime tedio de los domingos otoñales, pero poco más, sobre todo por su escasa originalidad y descarado patrioterismo. No me resultó especialmente recomendable, aunque sí interesante por tratar el tema de la I GM.

Flyboys (Heroes del Aire)

2007-10-16T14:44:00.000-07:00

Flyboys: Heroes del Aire (2006)

Un variopinto grupo de jóvenes estadounidenses decide, por distintos motivos, alistarse como voluntarios para luchar en la Escuadrilla Lafayette, una unidad aerea del Ejército Francés. Tras pasar un duro entrenamiento, el grupo de jóvenes e idealistas pilotos, liderados por el carismatico Blaine Rawlings, conocerá la cara gloriosa y amarga de la guerra, así como la rivalidad con los pilotos alemanes.

La verdad es que un primer repaso a las cualidades de Flyboys: (cuidada ambientación, jóvenes actores, buenos efectos especiales…) podría inducir a pensar que estamos ante una buena película. Pero lo cierto es que las virtudes formales del film quedan sepultadas por un aire de cine liviano que busca casi exclusivamente el puro entretenimiento palomitero. Y ahí es donde patina la película, en aras de la espectacularidad se sacrifica todo lo demás. Las batallas aereas abusan de los efectos digitales, hasta el punto de que los cazas biplanos de hélice maniobran como autentícos “jets” a reacción, todos los aviones alemanes son Fokkers triplanos pintados de rojo, y para terminar no podía faltar el piloto alemán malo malísimo (el “Halcón Negro”) y el Zeppelin.

Si a esto le únimos el guión tópico, manido y lleno de lugares comunes del cine bélico, con su historieta romántica incluida, no queda otro remedio que concluir que “Flyboys” suena a algo muy, pero que muy, visto. Sensación que no se ve precisamente atenuada por un exagerado metraje de 140 minutos, y un climax final hipertrofiado y absolutamente infumable. Más que una película, el conjunto de “Flyboys” recuerda al de un videojuego. Solo rescatable por la ambientación y algún que otro plano aereo, pero por lo demás un titulo bastante flojo.

Aguilas Azules (The Blue Max)

2007-10-01T10:03:00.000-07:00

Águilas Azules (1966)

Bruno Stachel (George Peppard), es un hábil y ambicioso piloto de combate alemán de origen humilde, que lucha en la guerra ante todo por conseguir un objetivo personal: conseguir la más alta condecoración al valor que se otorga en el ejército alemán: La Cruz Pour Le Merite (o Max Azul). A tal fin, Stachel no dudará en sacrificar tanto a amigos como enemigos hasta conseguir la distinción y convertirse en un heroe nacional. Sin embargo, su éxito también le conducirá a la autodestrucción personal.

“Aguilas Azules” constituye un más que interesante drama bélico, a la vez que una cuidada recreación de la guerra aerea durante la I GM, que tiene además el interés añadido de ofrecer una visión de la contienda desde el punto de vista alemán. El eje argumental de la historia (la obsesion del protagonista por ganar una alta condecoración al valor a cualquier precio) puede considerarse predecesor del clásico ambientado en la II GM “La Cruz de Hierro”. La película tiene varios aspectos meritorios de entre los que hay que destacar la sobresaliente fotografía, unas muy buenas escenas de combates aereos; y un elaborado guión que consigue mantener la atención del espectador. La historia trata temas variados como son la ambición personal, la relatividad del heroísmo o el precio de la fama, de forma bastante veraz y creible, logrando dotar de profundidad a la historia bélica que sirve de hilo conductor de la trama.

En el apartado interpretativo, hay que decir que los actores principales George Peppard y Ursula Andress, están muy bien en sus respectivos papeles, arropados además por el buen hacer de los secundarios. Si a ello le unimos el buen hacer en el apartado técnico y unas más que logradas escenas de acción, hay que concluir que estamos ante una buena película, quizas un tanto desconocida, pero altamente recomendable.

Calificación: 7/10

Deathwatch

2007-09-28T03:27:00.000-07:00

Deathwatch (2002)

La acción se sitúa en el Frente Occidental. En medio de un ataque nocturno, un pelotón británico se vé atrapado en las alambradas enemigas y sorprendido por lo que parece ser un ataque con gas venenoso, formando una nube que los envuelve. Cuando atraviesan dicha nube, se encuentran con que han ocupado una trinchera alemana abandonada. Dispuestos a mantener la posición, los miembros del pelotón se instalan en ella, pero pronto empiezan a experimentar que algo maléfico habita en la trinchera.

Una nueva muestra de la reciente tendencia del cine contemporaneo a mezclar elementos terror y cine bélico. Esta producción británica, protagonizada por el joven actor protagonista de "Billy Elliot", supone una nueva vuelta de tuerca al cine que podríamos denominar “war horror”. Como suele suceder, el arranque de la película, con la ocupación de la misteriosa trinchera, resulta atrayente, pero luego la historia no sabe mantener el interés. Los fenómenos extraños que ocurren en la trinchera no bastan por sí mismos para crear una atmósfera tensa, y el guión tampoco acaba de desarrollar bien todos los temas que apunta (la responsabilidad del mando, la neurosis de guerra, cierta crítica antibelicista…). Al final todo se resuelve de una forma bastante poco verosimil y aun menos convincente, de un modo que recuerda a películas como “El Bunker” y “Barco Fantasma”.

Lo mejor de la película, sin duda, lo encontramos en la puesta en escena de la trinchera, cuya ambientación es sencillamente PERFECTA. El barro, la humedad, los cadaveres... todo está recreado con un realismo absoluto, que da una idea bastante clara de lo que fueron las trincheras en la I GM. Al menos por eso, sí que vale la pena ver “Deathwatch”. Medianamente entretenida.

Crítica de Reisman

Senderos de Gloria (Paths of Glory)

2007-09-27T04:44:00.000-07:00

Senderos de Gloria (1957)

Frente Occidental, año 1916. El alto mando francés quiere conseguir a toda costa romper el frente alemán, para lo cual deciden lanzar una ofensiva en un sector fuertemente defendido dominado por una importante colina. El general Boulard encarga esta tarea al ambicioso y falto de escrúpulos general Mireau. Éste, a su vez, ordena al Batallón del Coronel Dax que encabece el ataque. Este se realiza, pero resulta un desastre debido a la fuerte resistencia alemana, que obliga a los soldados a retroceder a sus trinchera. Ante el fracaso de la ofensiva, Mireau, furioso por la derrota, decide castigar ejemplarmente a la unidad de Dax fusilando a tres soldados por cobardía, que serán elegidos al azar entre los participantes en el ataque.

“Senderos de Gloria” está considerada, con toda justicia, una de las Obras Maestras del Séptimo Arte. Muy posiblemente, solo el genio de Stanley Kubrick tenia la capacidad de crear una película como esta, el mejor alegato antibelicista jamás filmado. Pocas veces una historia ha sido tan bien filmada y con tanta intención. En “Senderos de Gloria” (toda una ironía ya desde su título) no hay lugar para el heroísmo ni por supuesto para esa “gloria”. Los hombres son enviados al matadero por generales deshumanizados que solo buscan su beneficio personal. Frente a eso, los hombres justos (Dax) se ven impotentes para detener la maquinaria bélica, que devora vidas amigas y enemigas sin un rastro de humanidad ni de esperanza.

Más alla del portentoso guión, Kubrick deja patente su vigorosa dirección en plano visual con sus estudiados travellings, (sobresaliente la escena en la que Dax inspecciona a sus tropas agazapadas en las trincheras antes del ataque) y su portentoso dominio del uso de los distintos planos de la narración. Escenas como las de la mujer que canta en la cantina para los soldados o las del fusilamiento de los tres "culpables" prácticamente crean un nudo en la garganta.

Por supuesto, tanto la puesta en escena como las actuaciones de los personajes principales, especialmente Kira Douglas en uno de sus mejores papeles, son sobresalientes. En definitiva, una película en la que cada diálogo, cada plano y cada gesto interpretativo están encajados con una precisión de mecanismo suizo; y todo ello puesto al servicio de una historia que abruma por su realismo y tensión dramática. En resumen, “Senderos de Gloria” constituye una reflexión mayéstica sobre la verdadera naturaleza de la guerra con el sello genial e irrepetible de Kubrick. Una película que no solo llega al cerebro, sino también al alma. Absolutamente imprescindible.

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