Leyendas de Pasión (Legends of the Fall)

Leyendas de Pasión (1994)

El coronel William Ludlow (Anthony Hopkins) tras ser abandonado por su esposa decide retirarse del ejército y trasladarse a vivir junto a sus tres hijos a un gran rancho de Montana, dispuesto a mantenerse alejado del mundo. Sin embargo, las tensiones con su rebelde hijo Tristan (Brad Pitt) y entre este y el sensato Alfred (Aidam Quinn), se verán acrecentadas cuando el hermano menor, Samuel, decide que su bella prometida Susannah (Julia Ormond) se traslade al rancho a vivir con la familia, surgiendo un incipiente romance entre ella y Tristan. Poco después, el estallido de la Primera Guerra Mundial hará que Samuel, en contra de los deseos de su padre, se aliste en el ejército canadiense para combatir en Francia, por lo que Tristan decide seguir sus pasos para proteger a su hermano menor en el frente.

Leyendas de Pasión supuso la adaptación cinematográfica de la novela de Jim Harrison “Legends of the Fall”, publicada en 1979 y cuya historia llamó la atención del director Edward Zick, quien no obstante, iba a tardar más de una década en ver el proyecto materializado en la gran pantalla. A fin de garantizar el éxito en taquilla la productora se aseguró de contar con un actor consagrado como Anthony Hopkins, y sobre todo, con la presencia del sex symbol masculino de Hollywood, que por aquel entonces era una estrella emergente, Brad Pitt. La película contó además con un generoso presupuesto cercano a los 30 millones de dolares y recibió 8 nominaciones a los Oscar, aunque finalmente solo se alzó con una estatuilla, la de mejor fotografía, que recayó sobre el técnico John Toll. Además, la película no terminó de conectar con el gran público, ni de funcionar en taquilla como se esperaba.

Y lo cierto es que, analizando el film, es comprensible que este no se convirtiera en un arrollador éxito comercial. Porque se aprecia a la legua que el intento de Zick por crear un deslumbrante relato épico que combinara elementos del Western clásico, cine bélico y una historia romántica de fondo, no terminó de funcionar adecuadamente en pantalla. En primer lugar, porque los personajes, además de resultar tópicos, no están nada bien desarrollados. Principalmente el de Tristan, que parece un simple vehículo de lucimiento para el físico de Brad Pitt, cuya actuación, por cierto, deja bastante que desear. Incluso el habitualmente brillante Anthony Hopkins aparece bastante sobreactuado interpretando al torturado coronel Ludlow, un personaje que solo logra sacar el lado histriónico del actor galés. A todo ello se le une una historia narrada sin pulso, cuyas dos horas y media de metraje se hacen largas y un guión que oscila entre lo almibarado y lo pretencioso, incluyendo una subtrama de pretendida sensibilidad hacia los indios americanos, que dicho sea de paso, no aporta nada al relato.

Al menos, eso sí, hay que reconocer que las escenas bélicas están filmadas con eficiencia si bien la secuencia que muestra la muerte de Samuel en combate se antoja poco realista y transmite al espectador una sensación de forzado dramatismo, más efectista que efectivo. Como curiosidad, también muestra la participación canadiense en la I GM, un tema poco tratado en el cine de Hollywood.

En definitiva, “Leyendas de Pasión” resulta un producto fallido que no cumple ni de lejos sus ambiciosos objetivos, ya que como relato épico resulta aburrido, y como historia romántica, no logra transmitir gran cosa al espectador, conformándose con coleccionar tópicos y clichés al uso de este tipo de Films con nula capacidad para emocionar. Una película simplemente pasable, en el mejor de los casos.

Calificación: 5/10

El Almirante (Admiral Kolchak)

El Almirante (2008)

Relato biográfico acerca de la figura del almirante ruso Alexander Kolchak, desde su heroica actuación en 1916, al mando de un destructor en aguas del Mar Báltico, pasando por su ascenso a comandante en jefe de la flota del Mar Negro, hasta llegar a convertirse en uno de los líderes del Ejército Blanco durante la Guerra Civil Rusa. Paralelamente a su exitosa carrera militar, Kolchak vivirá también un difícil romance con Anna Timireva, la esposa de uno de sus oficiales, quien durante los turbulentos meses de la guerra civil se convirtió en una figura clave en la vida del almirante.

El Almirante ha sido una de las más recientes superproducciones de la pujante industria cinematográfica rusa, un ambicioso proyecto que costó casi 5 años finalizar y que dispuso para su rodaje de un presupuesto superior a los 20 millones de dólares. Además, la película tiene el interés de recuperar la memoria histórica acerca del almirante Alexander Kolchak, unos de los grandes marinos del S. XX, famoso por sus exploraciones del Ártico, y por su papel como jefe contrarrevolucionario durante la guerra civil rusa. Naturalmente, era un personaje al que el régimen sovietico condenó durante décadas al más absoluto olvido, pero que, gracias a las nuevas circunstancias políticas imperantes en Rusia, ha sido ahora reivindicado con este lujoso biopic.

Y ciertamente, el film pone de relieve su elevado presupuesto con un arranque espectacular, que muestra un trepidante combate naval entre el destructor capitaneado por Kolchak y un poderoso crucero de batalla alemán, un enfrentamiento desigual del que los rusos salen victoriosos gracias a la inteligencia y sangre fria de su capitán. También me gustó la forma en que se cuenta el inicio del romance entre Kolchak y Anna Timireva, mostrando con elegancia como surge la química entre ambos. Sin embargo pasados los primeros quince minutos, la historia comienza rápidamente a perder el pulso, y el ritmo de la narración claramente pierde fuelle, además de resultar sumamente confusa, sobre todo para el espectador poco versado sobre los hechos históricos que se relatan.

Por un lado, hay varios saltos temporales entre la época de la guerra y el estallido de la Revolución Bolchevique y la Guerra Civil, que apenas se explican; y por otro lado el guión peca en más de un momento de pasteloso al recrearse demasiado en la trama romántica de la historia. Una trama amorosa que, conforme avanza la narración, va cobrando mayor importancia, hasta convertirse en el eje central de la misma, con el inconveniente de que el romance entre Kolchak y Anna está desarrollado de una manera muy poco imaginativa, y amén de reiterativo, resulta bastante previsible y aburrido para el espectador.

En el aspecto histórico, también pueden señalarse algunos aspectos poco pulidos del guión, especialmente el retrato excesivamente benévolo que se hace de las fuerzas del ejército blanco o contrarrevolucionario. No se dice nada acerca de las matanzas, saqueos y atrocidades cometidos por los soldados de Kolchak en las zonas bajo su control, y por tanto, no se explican las causas por las que las fuerzas blancas fueron perdiendo gradualmente el apoyo popular, y fueron finalmente derrotadas por el Ejército Rojo. También se idealiza en extremo la figura de Kolchak, ofreciendo un retrato del personaje que, bajo mi punto de vista, resulta como mínimo incompleto desde el punto de vista histórico.

Pese a ello hay que recocer que el trabajo de los actores resulta bueno, en especial por parte del protagonista Konstantin Khabensky, dotando a su personaje del carisma y la personalidad necesarios para hacer creible su interpretación. Otros aspectos destacables del film radican en la esmerada puesta en escena y recreación de los escenarios, así como en las muy vigorosas secuencias de acción bélica. Es una pena que la parte discursiva del film no esté a la misma altura que los aspectos técnicos, ya que de haber sido así, habríamos estado sin duda ante una de las grandes películas de década.

En definitiva, El Almirante ofrece al espectador unas espectaculares secuencias de acción, y una muy buena puesta en escena. Pero desde el punto de vista narrativo, la película adolece de demasiados aspectos manifiestamente mejorables, y además, no resulta del todo satisfactoria como retrato histórico de uno de los periodos claves del S. XX. Al final, se queda en un título de esmerada factura formal y visual, pero simplemente correcta en cuanto a calidad cinematográfica.

Calificación: 5,5/10

Doctor Zhivago

Doctor Zhivago (1965)

El relato comienza en Rusia, a finales del S. XIX. El niño Yuri Zhivago (Omar Sharif), tras quedar huérfano, es acogido por unos familiares, trasladándose a vivir a Moscú. Años más tarde, siendo ya un joven estudiante de medicina, vivirá los sucesos de la revolución de 1905 y conocerá brevemente a la bella Lara (Julie Christie), hija de una humilde modista, sometida al designio del poderoso y corrupto abogado Komarovski (Rod Steiger), y futura esposa del lider revolucionario Pasha Antipov. Años más tarde, tras haber contraido matrimonio con Tonia (Geraldine Chaplin), el estallido de la I GM provocará que el doctor Zhivago sea enviado al frente como médico militar, reencontrándose allí con la enfermera Lara, surgiendo entre ellos un apasionado romance que se verá truncado por el inicio de la revolución bolchevique.

En el año 1957 aparecía publicada en Italia la novela El Doctor Zhivago, escrita por el poeta ruso Boris Pasternak. El relato de Pasternak, lleno de lirismo, suponía una reflexión sobre la historia de Rusia a lo largo de la primera mitad del S. XX, a la par que una crítica a los aspectos más oscuros del régimen bolchevique y a los excesos del periodo revolucionario. Naturalmente, el contenido de la novela le acarreó a su autor la censura de las autoridades soviéticas, así como la imposibilidad de publicar la novela en la URSS. Sin embargo, el éxito mundial del libro fue casi inmediato, y le valió a Pasternak para recibir el premio nobel de literatura del año 1958, premio que Pasternak, fuertemente presionado por las autoridades sovieticas, tuvo que declinar. En cualquier caso, era sólo cuestión de tiempo que la novela de Pasternak fuerra llevada al cine.

Finalmente, fue el productor Carlo Ponti quien, tras una dura puja, logró hacerse con los derechos cinematográficos del libro, e involucrar de este modo a la productora MGM para realizar el film basado en el mismo. Como Ponti estaba dispuesto a realizar una gran película que estuviera a la altura del relato literario, se aseguró de contratar al mismo equipo artístico y técnico que se había encargado de realizar 3 años antes la exitosa y oscarizada Lawrence de Arabia, empezando por su director, el británico David Lean. Este quiso repetir la experiencia, ofreciendo el papel de Zhivago a Peter O´Toole, pero al parecer el actor rechazó la propuesta dado el nivel de exigencia que Lean le había mostrado durante el rodaje de Lawrence de Arabia. Así que finalmente el papel recayó sobre el prometedor actor egipcio Omar Shariff, quien también había colaborado con Lean en su anterior film.

El rodaje de la película tuvo lugar casi íntegramente en España, construyéndose para recrear los escenarios moscovitas, un enorme decorado en el suburbio madrileño de Canillas, que incluia edificios de estética rusa, una linea de tranvia y una réplica del Kremlin. Para los escenarios exteriores se usaron localizaciones situadas en la provincia de Soria, y solo algunas de las escenas invernales fueron rodadas fuera de España, concretamente en Finlandia.

Entrando a valorar el film, lo primero que hay que reconocer es que la película sabe sintentizar la densidad narrativa de la novela, acortando determinadas partes del relato, pero sin alterar la sustancia del mismo. Un relato que, por otra parte, se apoya en las excelentes interpretaciones del elenco de actores protagonistas, empezando por un incomensurable Omar Shariff, impecable en su papel de Zhivago, muy bien respaldado por Geraldine Chaplin interpretando a su esposa y Julie Christie como la pasional Lara. Además, la película se apoya en la magnífica y sugerente banda sonora compuesta por el maestro Maurice Jarre, y que se convirtió en un auténtico éxito comercial, alcanzado las 600.000 copias vendidas durante el periodo de exhibición del film. Finalmente es digno de destacarse la esmeradísima puesta en escena de la que hace gala David Lean a la hora de recrear los escenarios y ambientes, que logran meter de lleno al espectador en la época y el ambiente que se retratan en la pantalla.

Ahora bien, bajo mi punto de vista a “Doctor Zhivago” le falta un peldaño para haber llegado a ser una auténtica obra maestra del Séptimo Arte. Y ello se debe principalmente a que, pese a haber sabido captar fielmente la esencia del relato de Pasternak, la película falla al trasladar a la pantalla el intenso lirismo de la novela, así como determinados matices que dotaban de mayor fuerza al texto literario. Entre ellos cabe citar especialmente dos: el hecho de que el guión del film ponga especial énfasis en resaltar el aspecto antibolchevique de la novela, y en segundo lugar el retrato algo desdibujado que se hace del personaje de Lara. Lo primero es algo lógico teniendo en cuenta las circunstancias políticas de la época de la Guerra Fria, pero que viene en cierta medida a deslucir la intención del autor, que era la de reivindicar la libertad del individuo frente a cualquier tipo de opresión. En cuanto al segundo aspecto, para el lector de la novela, el retrato que se hace del personaje de Lara no termina de ser satisfactorio, ya que mientras en el libro Lara aparece retratada como una mujer de fuerte temperamento y personalidad, en la película parece un personaje mucho menos decidido e incluso voluble. Y en ese sentido, quizás sea el personaje de la novela que peor encaje encuentra en la película.

En cualquier caso, ni que decir tiene que Doctor Zhivago es una de esas películas que merecen ser vistas al menos una vez. Una más que digna adaptación del relato de Pasternak y un muy interesante fresco histórico sobre el pasado reciente de Rusia. Imprescindible para los buenos aficionados al cine.

Calificación: 7,5/10

Gallipoli

Gallipoli (1981)

La historia nos sitúa en Australia en 1915. El joven velocista Archy Hamilton (Mark Lee) es toda una promesa del atletismo y un ídolo local, que sueña con alistarse en el ejército y combatir en la guerra. Aprovechando una estancia fuera de su casa para disputar una competición atlética, Archy decide fugarse para enrolarse en la caballería ligera. Tras ser rechazado por su corta edad, trabará amistad con otro corredor llamado Frank Dune (Mel Gibson) que le propone viajar a Perth para volver a intentar alistarse. Durante el camino hacia la ciudad, en el que Archy y Frank deberán cruzar a pie un buen trecho de desierto surge una estrecha amistad entre ambos jóvenes, y pese a que Frank en principio es contrario a participar en la guerra, finalmente seguirá los pasos de su amigo alistándose en la infanteria para combatir en Gallipoli contra los turcos.

El director australiano Peter Weir fue el encargado de llevar a la gran pantalla esta película basada en la famosa Campaña de Gallipoli (o de los Dardanelos) ideada por el Primer Lord del Almirantazgo británico Winston Churchill  para sacar a Turquia de la guerra. Una campaña que se saldó con un fracaso total y que le costó a los aliados cerca de medio millón de bajas de las que unas 30.000 fueron australianas. Weir tardó cerca de 3 años en reunir los fondos necesarios para financiar el proyecto, ya que la película, con un presupuesto cercano a los 3 millones de dólares supuso la producción más cara del cine australiano hasta la fecha. Al final el dinero pudo conseguirse gracias a la participación financiera del magnate de los medios de comunicación Rupert Murdoch, que mostró interés en el proyecto porque uno de sus abuelos había cubierto la campaña de los Dardanelos como corresposal de guerra.

Y hay que decir que, desde luego, el dinero estuvo muy bien invertido. La película, que tiene un arranque apacible para ir subiendo gradualmente de intensidad conforme avanza, sabe ofrecerle al espectador una historia entrañable a la vez que realista, que rezuma humanidad. Una historia en la que se nos habla de la amistad verdadera, el idealismo de toda una generación de jóvenes cuyas vidas iban a ser truncadas por la guerra, y el absurdo de esta, que llevó a miles de soldados a realizar un sacrificio inútil en una campaña que militarmente era un callejón sin salida. En ese sentido la película cuenta con varios elementos destacables, desde la excelente química de su dúo protagonista, con unos jovencísimos Mel Gibson y Mark Lee en estado de gracia; unido a una sobresaliente puesta en escena, una excelente labor de recreación y ambientación de los escenarios donde transcurre el film, y una fotografía de gran calidad. Tampoco puede dejar de mencionarse la muy adecuada Banda Sonora del film, que combina los modernos sonidos del album Oxygen de Jean Michel Jarre con la sobrecogedora solemnidad clásica del Adagio de Albinoni.

Sin duda lo mejor del film estriba en su parte final, cuando la historia camina hacia un desenlace que condensa el mensaje antibelicista (no exento de un evidente poso antibritánico) de la historia. Un desenlace muy bien filmado que –pese a tener ciertas reminiscencias de Sin Novedad en el Frente- tiene la capacidad de sobrecoger al espectador, amén de servir como trágico cierre a la historia.

En definitiva, “Gallipoli” es un título notable al que quizás le faltan algunos matices para haber llegado a la categoría de obra maestra. Pese a lo cual, es una de esas películas de esmerada factura visual y artística que pueden volverse a ver cada cierto tiempo sin que pierdan el interés. Una película de temática antibélica muy recomendable.

Calificación: 7,5/10

La Crítica de Reisman

Feliz Navidad (Joyeux Nöel)

Feliz Navidad (2005)

Frente Occidental, Navidad de 1914. Mientras las tropas de ambos bandos se preparan para pasar sus primeras navidades en las trincheras de Francia, la cantante de opera sueca Anna Sorensen (Diane Kruger) convence al alto mando alemán para que la dejen actuar junto a su amante, el tenor alemán Nikolaus Sprink en una representación de ópera que va a tener lugar en el Cuartel General; con la secreta intención de ayudar a Nikolaus a desertar. De forma paralela, en uno de los sectores del frente, un teniente escocés y uno francés negocian una tregua informal con un teniente alemán para realizar un "Alto el Fuego" durante la nochebuena. La tregua será aprovechada por los soldados de ambos bandos para relacionarse y confratenizar, lo cual no tardará en provocar las censuras y represalias del Alto Mando.

En el que supuso su segundo largometraje, el realizador francés Christian Carion se embarcó en una coproducción entre estudios de cinco países europeos, para llevar a la gran pantalla los acontecimientos históricos relatados por Yves Buffetaut en "La increíble Navidad de 1914", recogido dentro del libro "Las batallas de Flandes y Artois 1914-18". Dicho relato se basa en los hechos que rodearon a la famosa "Tregua de navidad" de 1914 en el Frente Occidental, cuando los responsables de varios sectores del frente acordaron espontáneamente un alto el fuego temporal para poder celebrar la navidad. Durante esas horas de tregua nubo varios casos de confraternización entre los soldados alemanes y aliados, e incluso llegaron a formarse coros de villancicos y a disputarse un partido de fútbol. Naturalmente, en cuanto estos hechos llegaron a oídos del alto mando se dictaron órdenes tajantes para impedir nuevos actos de confraternización e incluso se instruyeron consejos de guerra a los oficiales implicados en el acuerdo de la tregua.

Estos son los hechos que la película traslada a la pantalla, con un resultado correcto, pero no del todo brillante. Porque aunque es cierto que “Feliz Navidad” es una película bastante fiel a los hechos reales en que se inspira, con un trasfondo antibélico que se sintetiza en el mensaje de fraternidad entre las distintas naciones a través del espíritu de la navidad, en el plano narrativo la pelicula evidencia varias limitaciones. La historia está contada con pulcritud formal y estética, pero la verdad es que se echa en falta algo más a la hora de abordar el manido tema antibelico. Y es que la película peca de quedarse demasiado en la superficie de lo que cuenta. Los hechos que aparecen (partido de futbol incluido) son verídicos, pero como suele ocurrir en este tipo de filmes, el conjunto queda algo frio. Tampoco me terminó de convencer la inclusión de la subtrama relativa al romance del personaje de la bella, aunque algo inexpresiva, Diane Kruger con el soldado alemán, porque añade un toque pasteloso que en mi opinión no termina de cuajar con el resto de la historia. Y en general el tono de la narración resulta demasiado idílico, faltando bajo mi punto de vista algo más de realismo y de crudeza a la hora de mostrar los horrores de la guerra de trincheras.

En definitiva, “Feliz Navidad” resulta un producto de aceptable calidad técnica y estética pero algo desangelado en su conjunto, y también adolece de un punto mayor de ritmo narrativo. Aunque como cuento de navidad que predica los valores de la solidaridad y fraternidad humanas por encima de las diferencias nacionales no está mal, como película (anti) bélica resulta simplemente correcta. Una película amable que se deja ver, aunque sin excesivos alardes cinematográficos.

Calificación: 5,5/10

Johny cogió su fusil (Johny Got His Gun)

Johny cogió su fusil (1971)

Tras ser gravemente herido en el frente por un proyectil de artillería, el soldado Joseph Bonham (Timothy Bottoms) es trasladado a un hospital de campaña. Pese a haber sobrevivido a la explosión, Joe ha quedado terriblemente mutilado y aparentemente en estado vegetativo, por que los médicos deciden usarlo como un caso de estudio clínico vivo, sin saber que aun es consciente de lo que ocurre a su alrededor. Ya en el hospital de retaguardia, Joe rememorará su vida anterior a la guerra, a la vez que experimentará la angustia de ser prácticamente un muerto en vida.

En 1939, el guionista y escritor norteamericano de ideología comunista, Dalton Trumbo escribió una novela de temática antibelicista, basada en un hecho real acaecido en la I GM, titulada Johny got his gun que suponía una feroz y ácida crítica al militarismo que había conducido a las potencias mundiales a enfrentarse en la Gran Guerra. Tres décadas después, tras haber sufrido durante varios años la persecución de “La Caza de brujas” del senador McCarthy, y haber sido proscrito en Hollywood por causa de su ideología comunista, Trumbo decidió llevar al cine la adaptación de su propia novela. En un principio Trumbo consideró la opción de confiar en el español Luis Buñuel para dirigirla, pero finalmente decidió encargarse él mismo de la dirección del film. Al final la participación de Buñuel se redujo a su colaboración, de forma no acreditada, en el diseño visual de algunas de las escenas de contenido onírico del film.

Entrando a valorar la calidad de este, la verdad es que me parece una película irregular y que no ha envejecido del todo bien. Lo mejor de la película radica en su sobrecogedor arranque, que nos cuenta, sin mostrarlo explícitamente, las terribles heridas sufridas por el protagonista, su agobiante recuperación de la consciencia y como cae en la cuenta del horror que le produce su incomunicación con el mundo exterior. Sin embargo, tras ese contundente arranque, por momentos estremecedor, la película pierde pulso al derivar en varios flashbacks un tanto insustanciales, que a su vez son aderezados con una serie de pretenciosas escenas oníricas demasiado efectistas para mi gusto, y que en su mayor parte aportan poco a la historia.

Lo mejor del film son, de lejos, las escenas que transcurren en el hospital y en las que el protagonista reflexiona sobre el horror de la guerra, la dignidad de la vida humana, la eutanasia…etc. En el resto de escenas que se desarrollan en la época anterior a la guerra, eché en falta algo más de concisión narrativa y precisión en los diálogos, porque la verdad es que son escenas que resultan más bien reiterativas e incluso insípidas en algunos momentos. Es una pena que no se pulieran más esos aspectos del guión porque entonces sí que podría haberse conseguido una auténtica obra maestra antibelicista.

Vista en retrospectiva no puede negarse que “Johny cogió su fusil” fue una película rompedora, pero también con un importante componente coyuntural, marcado por el fuerte sentimiento antibelicista que surgió en la sociedad norteamericana de la época, como reacción colectiva frente a los horrores del conflicto de Vietnam. Pese a que aun hoy dia sigue resultando una película impactante, y pese a que su visionado mueve a la reflexión, en conjunto me parece que estuvo en su momento un tanto sobrevalorada y dista mucho de ser redonda. En cualquier caso, hay que reconocer que es uno de esos films que hay que ver al menos una vez.

Calificación: 6,5/10

La Batalla de Passchendaele (Passchendaele)

La Batalla de Passchendaele (2008)

Tras resultar herido en combate tratando de salvar a sus compañeros el sargento Michael Dunne (Paul Gross) del Cuerpo Expedicionario Canadiense, es enviado de vuelta a Canadá para recuperarse de sus heridas. En el hospital conocerá a la atractiva enfermera canadiense de origen alemán Sarah Mann, cuyo padre resulta haber muerto en acción combatiendo contra los canadienses en las filas del ejército del Kaiser. Después de evitar que el hermano de Sarah, David, enfermo de asma, sea enviado al frente, Dunne inicia un romance con la enfermera, romance que se verá truncado por los deseos de David de combatir en Europa y por el odio que despierta el origen alemán de Sarah entre la población local.

El título de la película podría inducir a pensar que se trata de un relato sobre la cruenta Batalla de Passchendaele (o tercera batalla de Ypres), una de las ofensivas aliadas más costosas en vidas humanas -e inútiles en cuanto a sus resultados militares- de la I GM. No en vano, la batalla, que se prolongó a lo largo de cuatro meses de 1917, se cobró la cantidad de 300.000 bajas, siendo 16.000 de ellas canadienses para lograr unas mínimas ganancias territoriales. Sin embargo, la película no pretende describir los aspectos militares de la batalla, sino que por el contrario, la usa como mero telón de fondo para dar paso a una historia personal con un claro mensaje antibelicista.

La película, que ha supuesto un record en cuanto a presupuesto para el cine canadiense (21 millones de dolares) ha sido posible en gran medida gracias al empeño personal del actor canadiense Paul Gross quien se encargó de escribir el guión del film, de dirigirlo, y de interpretar el papel protagonista del Sargento Dunne. Al parecer, Gross se inspiró en la figura de su abuelo, que combatió realmente en la I GM, para crear el personaje de la película. Entrando a valorar el film, he de decir que me esperaba bastante más de él. Las escenas bélicas, concentradas en la parte final de la historia, son bastante buenas y realistas, amén de estár bien filmadas, pero en general resultan insustanciales. Y ello es gran medida porque hasta llegar a esos veinte minutos de acción finales hay que aguantar casi hora y media de una parte discursiva que a todas luces se alarga demasiado. Se nota que el director tenía muy presente la necesidad de reforzar el mensaje antibélico del film, porque este empapa prácticamente cada fotograma de la pelicula.

El problema es que, a fuerza de insertar escenas para críticar la guerra, esta crítica se hace excesivamente reiterativa y, en última instancia, aburrida. Además se introducen los inevitables (y aburridos) interludios románticos de rigor, centrados en la relación del Dunne con la enfermera, plagados de diálogos pretendidamente profundos y un tanto pastelosos. En ese aspecto la película cae en un excesivo desarrollo argumental de la parte de la trama que transcurre en Canadá, lo cual redunda en un inevitable acortamiento de la parte final de acción bélica, que al final resulta un tanto insustancial por descontextualizada. Tampoco puede decirse que las actuaciones de los actores, (quitando la de Paul Gross, que es de lejos la más inspirada), brillen con luz propia, de forma que al final uno se queda con la sensación de que está ante una historia ya vista con anterioridad, e incluso algo trillada. Y llama especialmente la atención los evidentes paralelismos que pueden establecerse con otra película antibélica ambientada en la I GM como “Gallipoli” de Peter Weir.

En cualquier caso hay que reconocer que por su excelente ambientación y capacidad de impacto de las escenas bélicas “La batalla de Passchendaele” merece al menos un visionado. Pero hay que concluir que es una pena que no se haya sacado un mayor partido al meritorio aspecto visual del film para construir una historia con un punto mayor de originalidad, y –sobre todo- de capacidad para emocionar. Al final se queda en un producto correcto, pero poco más.

Calificación: 5,5/10

Trailer de la Pelicula